I ricavi dell’industria musicale hanno raggiunto circa 5,5 miliardi di dollari l’anno lo scorso anno, poiché le nuove fonti di entrate hanno ricominciato ad aumentare le vendite. La musica country rappresentava un terzo di ciò, portando la sua quota del valore di quasi 2 miliardi di dollari all’anno. La domanda è, come fan della musica e forse accanito, dove dovresti spendere i tuoi dollari quando c’è più musica disponibile in più formati che mai? Mentre siamo entusiasti delle possibilità dello streaming (soprattutto quando è a basso costo), c’è innegabile soddisfazione nell’esercitare discrezione e scelte informate riguardo al tuo prezioso tempo di ascolto. E, naturalmente, nuovi ed economici non sono sempre l’ideale; infatti, spesso occorrono mesi, se non anni, per distinguere tra prodotto e abilità artistica.
Ti offriamo questo consiglio: ci sono alcuni album che ogni fan dovrebbe possedere, e qui ti proponiamo la nostra selezione per i dieci album country essenziali di tutti i tempi. Mentre molti sono classici affermati, registrati decenni fa, qui ci sono alcune sorprese: parte della più grande musica country è stata eseguita e registrata da fonti improbabili: Ray Charles, Leon Russell, The Nitty Gritty Dirt Band e Gram Parsons, solo per citarne alcuni .
Ciascuno dei seguenti album vale un’audizione completa. Abbiamo anche compilato una playlist suggerita tratta da questi album essenziali che ti terranno incuriosito, scosso e commosso per gli anni a venire.
Hank Williams 40 Greatest Hits pubblicato nel 1990
Il cantautore originale, Hank Williams, visse velocemente e duramente, morendo all’età di 29 anni, con una carriera discografica che durò sei anni incredibilmente brevi. Altre cover dell’ampio catalogo di Hank Williams di circa 400 canzoni sono state registrate da più artisti di qualsiasi altro compositore del 20° secolo che ti interessa nominare. E non commettere errori, quest’uomo era un compositore, quello che ha detto “se una canzone non può essere scritta in 15 minuti, non vale la pena scriverla”. Hank Williams era un personaggio complesso, devoto alla musica quanto lo era all’alcol. Il suo manager, Fred Rose, uno degli uomini più potenti dell’industria musicale, ha dichiarato che la sua accusa ha “una voce da un milione di dollari e un cervello da dieci centesimi”. Ebbene, Fred Rose ha capito male, perché solo un genio avrebbe potuto inventare il materiale che Hank ha scritto. Questo album di 40 Greatest Hits contiene così tante tracce essenziali che è quasi un imbarazzo per gli altri artisti qui menzionati. Nessun cantautore ha mai prodotto il tesoro che Hank ha fatto in un simile periodo di sei anni. Lennon e McCartney si sono avvicinati al genere rock/pop, ma poi ce n’erano due, e nessuno dei due era gravato dalle preoccupazioni di donne problematiche, buon whisky e salute discutibile che hanno dominato la vita di Hank.
I nostri brani preferiti qui: “Long Gone Lonesome Blues”, “Honky Tonk Blues” “Ramblin’ Man” e l’ossessionante “I’ll Never Get Out Of This World Alive”, registrati pochi giorni prima della sua morte. E, naturalmente, il successo di genere che ha aperto la sua carriera: “Move It On Over”. Se scegli un solo album da questo elenco, fallo questo. Lo ascolterai per il resto della tua vita.
Marty Robbins Gunfighter Ballads e Trail Songs pubblicati nel 1959
Questo album è principalmente ricordato per la canzone caratteristica di Marty Robbins, “El Paso”, un numero autoprodotto che è una delle più grandi canzoni mai scritte, una storia dell’infatuazione sciocca di un giovane per una tentatrice della cantina di nome Felina. È un numero appassionato e memorabile, e un degno ricordo che la stessa parola passione deriva dal latino “passio”, che significa “soffrire”. L’album, però, è molto più della somma delle sue parti e merita un riconoscimento più ampio. È stato il primo album country mai realizzato per essere basato su un concetto, e come tale è il precursore della più famosa creazione del 1975 di Willie Nelson The Red-Headed Stranger. È anche uno dei più grandi successi di un meraviglioso produttore di nome Don Law, il capo della musica country alla Columbia Records, un uomo che ha portato molti talenti agli studi della Columbia, incluso Robert Johnson. L’album è una delizia particolare per diversi brani chiave: “Cool Water”, che non ha mai ricevuto una lettura migliore, e “They’re Hanging Me Tonight”, un piagnucolone melodrammatico che mostra il tenore/baritono di Robbins con grande vantaggio, e il meglio di tutta la versione integrale di “El Paso”, che contiene un paio di strofe extra.
Robbins è stato fortemente influenzato dai film del suo idolo d’infanzia Gene Autry, così come dai racconti del selvaggio Vecchio West raccontatigli da suo nonno, Bob Heckle, che era stato un Texas Ranger. Sebbene il suo primo successo nella musica pop gli sia arrivato attraverso successi come “Singin’ The Blues” e “A White Sport Coat and a Pink Carnation”, Marty non ha mai perso il suo interesse per le cose occidentali. Quando ha avuto qualche riconoscimento con il tema del film western di Gary Cooper “The Hanging Tree”, Marty ha iniziato a scrivere una serie di canzoni d’epoca basate sulle storie che aveva sentito da suo nonno. Il produttore Don Law credeva fortemente nel progetto e riunì un gruppo di musicisti di prim’ordine tra cui i Glaser Brothers alla voce di supporto e il virtuoso della chitarra Grady Martin. L’album risultante è stato registrato in un giorno!
“El Paso” ha registrato uno straordinario ritmo di quattro minuti e 39 secondi, il doppio della durata media della hit radiofonica dell’epoca. Ha ricevuto il primo Grammy mai assegnato a un record nazionale.
Ray Charles Modern Sounds in Country and Western Music è stato pubblicato nel 1962
All’inizio degli anni ’60 Ray Charles era noto principalmente per i suoi successi nel jazz e nel rhythm and blues. Aveva fatto irruzione sulla scena musicale nei primi anni ’50 come pianista ed ex cantante, concentrandosi sul proprio talento come arrangiatore. Il suo primo vero successo è stata una collaborazione con il suo buon amico Guitar Slim in “The Things I Used To Do”, e da lì ha continuato a registrare classici come “I Got A Woman” e il suo trionfo pionieristico nel 1959 con ” Cosa direi”. Quello non era certo il background accettato per intraprendere la musica country, ma quando Ray si trasferì dalla Atlantic Records alla ABC Paramount firmò anche un contratto che gli diede una notevole libertà artistica. Chi sapeva che avrebbe ripreso materiale direttamente da Nashville? Alla sua casa discografica l’idea non piacque per niente e gli disse che avrebbe perso alcuni dei suoi fan. Dopotutto, Ray era un cantante soul supremo, e cosa diavolo aveva a che fare con la musica country? Ebbene, il disco risultante ha trascorso due anni nelle classifiche di Billboard, comprese quattordici settimane al numero 1, e ha rivoluzionato la musica country. Vedi, quello che Ray ha fatto con questo materiale gli ha dato un’anima che nessuno sapeva che avesse. Nessuno, cioè, tranne lo stesso Ray, uno dei tre più grandi geni musicali del Novecento. (Chi erano gli altri due? – secondo il noto produttore John Hammond, gli altri due erano Aretha Franklin e Bob Dylan). La sessione di registrazione ha prodotto due volumi. ciò che Ray ha fatto con questo materiale gli ha dato un’anima che nessuno sapeva avesse. Nessuno, cioè, tranne lo stesso Ray, uno dei tre più grandi geni musicali del Novecento. (Chi erano gli altri due? – secondo il noto produttore John Hammond, gli altri due erano Aretha Franklin e Bob Dylan). La sessione di registrazione ha prodotto due volumi. ciò che Ray ha fatto con questo materiale gli ha dato un’anima che nessuno sapeva avesse. Nessuno, cioè, tranne lo stesso Ray, uno dei tre più grandi geni musicali del Novecento. (Chi erano gli altri due? – secondo il noto produttore John Hammond, gli altri due erano Aretha Franklin e Bob Dylan). La sessione di registrazione ha prodotto due volumi.
Sid Feller, il direttore artistico della ABC-Paramount, ha detto questo sull’album in retrospettiva: “Capiva la musica country. Amava i testi semplici e lamentosi e voleva dargli un nuovo approccio. Sentiva che, dando alla musica un trattamento lussureggiante, poteva essere diverso da ciò che i cantanti country avrebbero fatto con il materiale”.
I brani chiave dell’album includono “Born To Lose”, “You Win Again”, “You Don’t Know Me” e la versione senza tempo del classico di Don Gibson “I Can’t Stop Loving You”. Non è un caso che ognuna di queste tracce chiave sia stata arrangiata da Marty Paich, il talentuoso arrangiatore il cui lavoro nella vita comprendeva più di 2000 date in studio. Paich ha suonato, ma arrangiato e prodotto, numerose registrazioni jazz della West Coast, inclusi album di Ray Brown, Ella Fitzgerald, Terry Gibbs, Stan Kenton, Shelly Manne, Anita O’Day, Dave Pell, Art Pepper, Buddy Rich, Shorty Rogers , Toni Harper e Mel Tormé.
Poi c’è l’approccio jazzizzato che Ray ha portato a “Half As Much” di Hank Williams: è un barnburner sobrio ed eloquente che reinterpreta completamente l’originale di Hank, e la vera gloria è che Ray e la band oscillano più forte a metà velocità che molti altri brani fanno al doppio del tempo. Hank l’avrebbe adorato, proprio come milioni di fan del nuovo paese hanno fatto negli ultimi cinquant’anni. Questa è una registrazione indispensabile, che suona ancora appassionata e piena di emozioni come il giorno in cui è stata realizzata.
Patsy Cline 12 Greatest Hits pubblicato nel 1967
Una delle maggiori perdite per la musica fu la morte di Patsy Cline in un incidente aereo il 5 marzo 1963. Patsy aveva solo trent’anni ed era la più grande star della musica country al momento della sua morte. Possedeva un’eccezionale voce country-blues e nello spazio della sua breve carriera discografica di soli otto anni, ha registrato molti classici. I suoi 12 Greatest Hits servono solo come punto di partenza, poiché il suo intero catalogo è un’esperienza da non perdere. È l’unica cantante country donna veramente abbracciata dai fan del pop, del jazz e del blues allo stesso modo.
Aveva una predilezione per le canzoni del noto scrittore Hank Cochran e ha fornito interpretazioni caratteristiche di molte delle sue canzoni, quattro delle quali sono state scelte per questo particolare album, tra cui “I Fall To Pieces”, “She’s Got You”, “Why Non può essere te” e “Sei più forte di me”.
Il suo primo grande successo è arrivato con “I Fall To Pieces” nel 1960 ed è stato seguito da “Crazy” (il primo grande successo di scrittura di canzoni di Willie Nelson) e “Walkin’ After Midnight”. Ciò che ha reso le sue registrazioni così speciali non sono state solo le sue interpretazioni vocali, ma l’eccitazione palpabile e l’esperienza sofisticata del miglior gruppo di musicisti che Nashville abbia mai riunito in una sola volta, tra cui Floyd Cramer al piano, Grady Martin alla chitarra elettrica, Hargus ” Pig” Robbins al basso, Hank Garland alla chitarra e The Jordanaires ai cori. Inoltre, Patsy era un’artista dal vivo superlativa, che possedeva una straordinaria capacità di replicare esattamente il fraseggio e l’emozione dietro le sue migliori esibizioni in studio. O meglio, gli ingegneri del suono sotto il genio del produttore Owen Bradley sono stati in grado di catturare il talento di Patsy in studio.
Non c’è da stupirsi che innumerevoli cantanti abbiano tentato di catturare la magia che Patsy Cline incarnava, ed è allettante pensare che il maggior successo dei suoi ammiratori, kd lang, si sia avvicinato. Cioè, finché non si ascoltano Patsy e la signora lang in successione. Il capolavoro di kd lang Absolute Torch e Twang è in cima alla scala della musica country moderna, ma Patsy Cline è semplicemente impareggiabile.
Ciò che ha ulteriormente contraddistinto la straordinaria carriera di Patsy è che quasi tutti i suoi numerosi successi hanno segnato tanto nelle classifiche pop quanto nei circoli country. Parte di quel successo è stato senza dubbio dovuto all’ispirata sostituzione da parte di Bradley del twang country con quello che allora era chiamato l’approccio “countrypolitan” di archi e pianoforte, ma alla fine è la qualità accattivante e duratura della sua voce che ha affascinato gli ascoltatori di musica per decenni.
Johnny Cash Johnny Cash alla prigione di Folsom rilasciato nel 1968
Questo è un disco leggendario, sia per la sua esplosiva qualità dal vivo che per la spavalda Johnny Cash esibita osando esibirsi in un carcere di massima sicurezza. Per anni è stata commercializzata solo l’esibizione di Cash e della sua band, ma recentemente i poteri che hanno messo insieme un set 2CD accoppiato con un DVD che rivelano due lati dell’evento: le esibizioni di Carl Perkins, sua moglie June Carter e The Statler Brothers erano anche degni di un’audizione. Gli Statler Brothers non sono quasi ricordati in tutti questi giorni, fatta eccezione per la loro registrazione di “Flowers On The Wall”, ma erano una forza da non sottovalutare.
Non c’è una riflessione da offrire sullo stesso Cash che non sia stata detta innumerevoli volte prima, ma sottolineo: questo evento è stato uno dei più grandi spettacoli dal vivo di tutti i tempi, e la registrazione contiene a malapena, ma sicuramente rivela, sia la profondità del talento di Cash che il suo legame davvero eccezionale con il suo pubblico.
L’unica traccia essenziale è “Folsom Prison Blues”, ovviamente, che qui suona ancora meglio di quanto non suonasse nella sua registrazione in studio del 1955, il cui titolo era un memorabile With His Hot and Blue Guitar .. Degno di nota è che il pubblico della prigione in realtà non ha applaudito alle battute “Ho sparato a un uomo a Reno / Solo per guardarlo morire” – i fischi, gli applausi e gli applausi di quelle due battute sono stati aggiunti in post-produzione. Questo mi fa cambiare un po’ idea sull’autenticità del processo di registrazione, ma poi di nuovo bisogna considerare che i prigionieri erano comprensibilmente esitanti sulle rappresaglie delle guardie se avessero elogiato le parole sbagliate al momento sbagliato. Senza dubbio stavano esultando dentro. Altre tracce degne di nota includono “Orange Blossom Special”, il classico di Merle Travis “Dark As A Dungeon” e l’agghiacciante ma appropriato “Green Green Grass Of Home”.
L’album ha venduto 500.000 copie in tre mesi ed è stato accolto con entusiasmo dalla critica, la maggior parte dei quali aveva cancellato Cash off a causa dei suoi noti problemi di droga e della sua inaffidabilità nei concerti dal vivo. Lo stesso Cash ha attribuito all’album la sua rinascita creativa. Senza di essa, potrebbe non essere mai diventato The Man In Black.
The Nitty Gritty Dirt Band Will The Circle Be Unbroken è stato pubblicato nel 1972
La Nitty Gritty Dirt Band iniziò come jug band nel 1966 e suonò al Paradox Club of Southern California, con uno dei membri originali Jackson Browne. La scena musicale locale includeva futuri sostenitori come David Lindley Ry Cooder e LInda Ronstadt. Il gruppo suonava esclusivamente strumenti acustici e si concentrava sulla musica d’altri tempi, ma è stata l’esibizione discreta di Lindley alla chitarra elettrica che ha convinto la band a passare all’elettrico. Alla fine sono finiti in Colorado dove il loro manager Bill McEuen li ha aiutati a produrre una fusione di rock, bluegrass e country. Hanno realizzato una serie formidabile di album tra la fine degli anni ’60 e l’inizio degli anni ’70.
McEuen ebbe la brillante idea di portarli a Nashville nel 1971 e registrare un set acustico di 3 dischi con gli artisti country che ammirava di più. Ha schierato Roy Acuff, Earl Scruggs, Mother Maybelle Carter, Doc Watson, Merle Travis e una miriade di altri. Il risultato fu “Will The Circle Be Unbroken”, che alla fine divenne una serie di 3 volumi (e una vincitrice di un Grammy) con volumi aggiuntivi realizzati ogni pochi anni. L’autenticità delle esibizioni è innegabile, l’ambito del progetto vasto e le registrazioni un tesoro nazionale. Quando la band si è presentata a Nashville con i capelli lunghi, i baffi, la barba e l’abbigliamento hippie, il gruppo di Nashville era a dir poco preoccupato; poi i ragazzi hanno suonato per loro e tutte le prenotazioni sono state messe da parte. La Dirt Band stava bene, disse Nashville.
Molte delle canzoni dell’album sono state registrate nella prima o nella seconda ripresa e, poiché il nastro era costantemente in esecuzione durante le sessioni, è stata catturata una conversazione informale tra i musicisti. Il primo incontro di Doc Watson con Merle Travis è reso, così come l’offerta di Mother Maybelle Carter su come è arrivata a scrivere e registrare “The Sunny Side Of Life”.
Highlights: Doc Watson con “Tennessee Stud”, “A Precious Jewel” di Roy Acuff, Merle Travis con “Dark As The Dungeon” e un giovane e sconosciuto Vassar Clements con la sua brillante interpretazione di “Orange Blossom Special”. Oh, e una trentina di altri dovrai solo ascoltare di persona.
Bill McEuen è stato sentito commentare a Clements: “Devi essere il più grande suonatore di violino sulla terra. Come fai quello che fai a un violino?”
“Aw, non lo so”, disse Clements a disagio.
“La maggior parte dei suonatori di violino si limita a scherzare con la maggior parte di quella canzone, portando alla parte veloce alla fine, e poi ti delude quando finalmente ci arrivano”, ha detto McEuen, “ma l’hai afferrato sulla prima battuta e hai tenuto andando sempre più forte. Comunque, dove hai preso quelle due piccole melodie che ci infili in mezzo?»
“Aw, quello era solo un po’ di ‘Giorni della scuola’ e un po’ di ‘Dragnet'”, ha detto Clements.
Oh, e per quanto riguarda la Dirt Band: ecco cosa ha da dire su di loro il figlio del noto raccoglitore di Nashville Jimmy Martin: “Buon Dio, papà, sono bravi!”
Leon Russell Hank Wilson è tornato! uscito nel 1973
Amo il concetto dell’adozione di un altro personaggio da parte di un artista affermato per presentare un aspetto completamente diverso della sua arte al pubblico ignaro. Gli scrittori lo fanno sempre, alcuni di loro hanno più di un nom de plume, ognuno dei quali rappresenta un interesse separato, ma i musicisti? Quasi mai. Quando funziona, però, è una rivelazione ed è motivo di festa. Questo è stato il caso dell’uscita del tutto inaspettata di Hank Wilson’s Back!, un album di standard country pubblicato da Leon Russell all’apice del suo successo nella musica rock. E che album è! Leon era conosciuto da tempo come uno straordinario uomo di sessione e come un petardo rock and roll, e stava iniziando ad acquisire una reputazione come autore di canzoni avvincente con un misto di stravaganza e sincerità emotiva. Ma paese? – da quando Ray Charles aveva assunto materiale di Nashville nel 1962, un musicista affermato non si era avventurato così lontano da un terreno familiare. Si è scoperto che il personaggio di Leon, Hank Wilson, potrebbe essere il vero Leon Russell, quindi questo album è convincente.
La voce cantata di Leon non ha mai suonato meglio in tutta la sua carriera di quanto non suonasse in questo album, e mentre ci sono alcuni piagnucoloni assolutamente necessari e molto apprezzati in questo album (“Am I That Easy To Forget?” e “The Window Up Above”, c’è una sensazione di gioiosa esuberanza in tutta questa produzione. La traccia di apertura “Roll In My Sweet Baby’s Arms” è quella che conosci da tutta la vita, fino a quando senti Hank Wilson e i suoi scagnozzi mettere il pedalare al metal su questo numero. Gli scagnozzi? – semplicemente il meglio che Nashville ha da offrire. Hank offre non meno di quattro Hank (numeri di William) e li reinventa davvero. I brani migliori, tuttavia, sono i suoi sbalorditivi affronta “Goodnight Irene” e “In The Jailhouse Now”, due castagne che si potrebbe pensare non potrebbero mai essere rivitalizzate. Tuttavia, Hank Wilson è tornato! Ed è davvero,veramente, grande.
Gram Parsons Grievous Angel pubblicato nel 1974
Gram Parsons potrebbe essere la voce più sorprendente in questo elenco dei 10 migliori album country che dovresti possedere. Ha registrato pochissime registrazioni, morendo all’età di 26 anni durante una sessione di preghiera alimentata dalla droga nel deserto. Ma potrebbe non esserci stato un album Sweetheart of the Rodeo dei Byrds senza di lui, poiché Gram si è unito a quella band quando aveva solo 22 anni e li ha ispirati ad allontanarsi dalle canzoni di Dylan verso una nuova fusione di country e rock. Potrebbe non esserci stato un “Country Honk” o un “Wild Horses” dei Rolling Stones, poiché Gram ha stretto una nuova e significativa amicizia con Keith Richards e ha prodotto innumerevoli dischi dalla sua stessa collezione affinché gli Stones li ascoltassero, sebbene Mick Jagger fosse sia geloso che grato per la vasta conoscenza enciclopedica di Gram dell’America.
La cosa più importante è che Emmylou Harris potrebbe aver trascorso la sua vita adulta come cantante part-time a Washington, DC. Ammette che è stato Gram a insegnarle tutto ciò che sa sulla musica country, e che è stato lui a convincerla a trasferirsi nell’ovest con lui e ad andare in tour con le canzoni di The Louvin Brothers, Boudleaux Bryant e sì, i testi e brani dello stesso Gram, che è uno dei grandi scrittori di musica country non annunciati. L’album Angelo gravefu l’ultimo di nonno; non ha mai vissuto per vederne l’uscita. Su di esso ci sono diversi duetti con Emmylou, oltre al supporto strumentale di alcuni talenti pesanti, tra cui Glen D. Hardin al piano, Herb Pederson alla chitarra, Byron Berline al mandolino e violino, l’unico (e immediatamente riconoscibile) James Burton alla chitarra e Bernie Leadon (The Eagles). Oh sì, e anche i cori di Linda Ronstadt. Una formazione country più eclettica, elettrica ed eccitante che non hai mai sentito.
Non è esagerato dire che The Eagles, The Byrds, Poco, The Flying Burrito Brothers, Emmylou Harris, Lucinda Williams e sì, anche gli artisti del New Country di oggi hanno un grande debito con la visione di Gram Parsons. Puoi sentire l’influenza di Gram negli album country seminali di Emmylou Elite Hotel e Pieces Of The Sky , in cui ha portato una sensibilità country completamente nuova a materiale come “Here, There and Everywhere” dei Beatles e il loro “For No One”, così come le “Notti insonni” di Boudleaux-Felice Bryant. Ciò significava che un’interpretazione country poteva essere presa da qualsiasi fonte e che il risultato avrebbe incuriosito i fan della musica di ogni genere, incluso Jack White dei White Stripes, che nel 2010 ha registrato “Rated X” sull’album Loretta Lynn TributeLa figlia del minatore di carbone . Tale è l’eredità di Gram Parsons.
Tutto è iniziato con i due più grandi album di Gram GP e Grievous Angel , quest’ultimo il maggiore dei due per le sue qualità rivelatrici e per l’influente brano “Love Hurts”, una composizione di Boudleaux Bryant resa famosa in precedenza da Roy Orbison. Una volta che senti ciò che Gram ed Emmylou portano in questa canzone, ti renderai conto di quanto sia forte la canzone e di come diventi molto più viva come duetto, quando senti i due amanti soffrire insieme per lo stesso lamento. È veramente e profondamente ironico che Emmylou sia stato colpito oltre misura da Gram, con la sua musica, la sua voce e la sua personalità, e sentirai tutto questo e altro in questa interpretazione, soprattutto se conosci il successivo capolavoro di Emmylou “Boulder A Birmingham”, in cui esprime il suo dolore per la sua scomparsa.
Altre tracce degne di nota dell’album: “Return of The Grievous Angel” e il classico dei Louvin Brothers “Cash On The Barrelhead”. Da non perdere anche “Hickory Wind” e infine “Hearts on Fire”, un piccolo miracolo pop di Walter Egan che Gram ed Emmylou trasformano in uno spettacolo. Infine, c’è il loro duo su “Oh Las Vegas”, un numero che Gram ha scritto con Rik Grech (famoso dai Blind Faith) che è stato incluso nell’album GP .
C’è più sentimento e passione in questo album che in qualsiasi dozzina di registrazioni contemporanee di musica country e quando si contempla ciò che il mondo della musica ha perso con la prematura scomparsa di Gram Parsons intorno ai vent’anni, è abbastanza per far venire le lacrime agli occhi. Non c’è da stupirsi che la sua ombra domini l’ultimo album (2011) di Emmylou, Hard Bargain , e che la sua autoproclamata invenzione di “Cosmic American Music” continui a incombere sul genere americano. Era un grande talento, forse un genio. A pensarci bene, lascia che lo riformuli. Non c’è forse a riguardo.
Poet: A Tribute To Townes Van Zandt pubblicato nel 2001
Steve Earle definì notoriamente Townes Van Zandt “il più grande cantautore di sempre”, e mentre la dichiarazione ha messo Steve in un mare di guai con i critici che lo hanno chiamato fuori, Steve in seguito ha fatto marcia indietro sull’affermazione, qualificandola dicendo che Townes era “uno dei il più grande”. Non c’è dubbio su questo nella mente di innumerevoli musicisti che sono stati influenzati dal trovatore texano ubriacone morto nel 1997 per un attacco di cuore, causato dai DT in un tentativo mal consigliato di disintossicare il solitario alcolizzato disadattato per tutta la vita e maniaco depressivo. Townes era il musicista fuorilegge straordinario, che non voleva avere niente a che fare con le grandi etichette discografiche, che a loro merito (o meno caritatevolmente, la loro avidità) lo cercavano regolarmente e gli offrivano i loro servizi. Townes è morto più o meno senza un soldo, anche se guadagnava quasi $ 100, 000 all’anno dai diritti d’autore di canzoni classiche come “Pancho and Lefty” e “If I Needed You”. La musica era facile per lui. Vivere era difficile. Townes parlava spesso di scegliere canzoni dall’aria; erano ovunque, disse.
C’è una storia apocrifa di Bob Dylan che si presenta in Texas e cerca Townes per poterlo sentire suonare. Ne è seguita un’udienza privata. Townes è stato poi sentito dire di aver apprezzato il gesto, ma ciò che era importante per lui era se le sue canzoni sarebbero state cantate e studiate tra secoli.
Ha realizzato una mezza dozzina di album negli anni ’70 e alcune registrazioni dal vivo, la più notevole delle quali è Live From The Old Quarter a Houston, e il notevole e anche essenziale Together At The Bluebird Cafe , che comprendeva anche Steve Earle e Guy Clark . Townes era un chitarrista di talento, ma non molto cantante, sebbene il suo rapporto con il pubblico fosse leggendario. Gli uomini adulti piangevano apertamente ascoltando Townes cantare le sue storie di miseria, vita bassa e cameratismo che si trovano sulla strada. Vale la pena cercare tutti questi album, in studio e dal vivo, ma la raccolta definitiva delle canzoni di quest’uomo è nata nel 2001, quando diversi artisti country stellari hanno registrato Poet: A Tribute to Townes Van Zandt. Quando dico stellare, parlo di Willie Nelson, Delbert McClinton, Nanci Griffith, Lucinda Williams, Emmylou Harris, The Cowboy Junkies, Steve Earle, Billy Joe Shaver, John Print e altri. Ognuno di loro (16 in tutto) ha offerto un’interpretazione di una canzone di Townes. I risultati sono 16 tracce chiave; sono tutti essenziali, sono tutti misteriosi, commoventi e interpretati brillantemente.
Gli album Tribute sono solitamente un affare casuale, ma non questo. Poet potrebbe essere il miglior album tributo mai realizzato. Questa non è musica country tradizionale, ma come qualcuno ha detto una volta di Townes, “la musica di quest’uomo è profonda”. Potresti non conoscere la maggior parte di queste canzoni al momento, ma lo farai. Fidati di noi. Desideri.
Dwight Yoakam Hillbilly Deluxe uscito nel 1987
Questo è uno di quei dischi, diretti, disadorni e sbalorditivi, di cui parleremo per un po’ di tempo. Era il secondo album di Dwight Yoakam e conteneva diversi brani scritti da Dwight stesso.
È un formidabile cantautore (“Little Ways”), un cantante di prim’ordine ed è ossessionato dalla musica degli anni ’60. Ascolta la sua interpretazione di “Always Late with Your Kisses” di Lefty Frizell, così come la sua memorabile cover del brano di Elvis “Little Sister”.
Dwight era chiamato “troppo country per le stazioni rock” e “troppo rock per le stazioni country”. Tuttavia, in retrospettiva, il suo approccio al Paese presagiva tutto ciò che c’è di buono nel cosiddetto New Country di oggi. Non è un caso che Brooks e Dunn abbiano chiamato anche il loro album del 2005 “Hillbilly Deluxe”. Quell’album è diventato disco di platino.
Perché non tornare alla realtà? La seconda uscita di Dwight suona ancora fresca oggi come nel 1987.
La playlist dei nostri primi dieci record nazionali di tutti i tempi
1. “Move It On Over” di Hank Williams – ripreso numerose volte, in particolare da George Thorogood, ma la versione di Hank rimane quella definitiva. Testi malvagi, una sensazione rockabilly e un fantastico assolo di chitarra rendono questo un ottimo brano iniziale. “Mi ha avvertito una volta, mi ha avvertito due volte, ma non seguo il consiglio di nessuno” – Hank potrebbe essere stato lo scrittore esemplare di “piangi nella tua birra”, ma è stato anche uno dei parolieri più spiritosi di qualsiasi genere.
2. “El Paso” – la versione integrale, di Marty Robbins. Questa canzone non manca mai di suscitare emozioni e creare un film nella mente di chi ascolta. E se pensi che Bob Dylan non abbia rubato le linee di chitarra spagnole da questa melodia e le abbia trapiantate nel suo capolavoro “Desolation Row”, allora semplicemente non hai mai ascoltato il magnifico suonare qui di Grady Martin. Questa canzone ha anche ispirato il racconto pop di Hal David/Burt Bacharach di “Twenty-Four Hours From Tulsa”, in cui Gene Pitney è caduto sotto un simile incantesimo da cantina. E dai un’occhiata a “El Paso City”, il seguito di fine carriera di Robbins. Il mistero della canzone originale non lo ha mai abbandonato e potrebbe benissimo fare lo stesso per te.
3. “La metà” di Ray Charles. Un approccio da big band a uno dei brani country più commoventi mai scritti. Amico, questo oscilla! Deve aver dato il via ad ogni briciolo di polvere negli studi di Nashville per i decenni a seguire. Ha quella magica qualità dell’anima di renderti felice e triste allo stesso tempo. Non è stato facile scegliere una traccia da questo album; questa registrazione è di un tutto dall’inizio alla fine. È quasi criminale scegliere solo una traccia di Ray Charles per una playlist. La sua abilità artistica è sublime e passare da una traccia all’altra è un’esperienza trasformativa che, credetemi, è stata accuratamente pianificata dallo stesso Ray.
4. “Sogni d’oro (di te)” di Patsy Cline. Un capolavoro operistico country scritto da Don Gibson, registrato decine di volte da artisti minori e mai migliore di Patsy. Le canzoni sui sogni e sull’amore perduto sono una dozzina da dieci centesimi, e l’emozione del rimpianto domina notoriamente tutta la musica occidentale. Questo dice tutto, e la performance vocale è una meraviglia di eufemismo, controllo e rivelazione.
5. “Folsom Prison Blues” di Johnny Cash. Sì, la sua interpretazione di “Cocaine” in questo album è pessima e merita di essere anche nella tua libreria. Ma il paese dei fuorilegge è iniziato qui con questa canzone, e la composizione di Johnny è un grande promemoria del fatto che non solo era un cantante infernale, ma un tesoro nazionale come cantautore. Aveva una formula semplice, con i suoi testi semplici, la chitarra da pulcino e la voce non accompagnata, ma nessuno ha mai proiettato più autenticità e qualità maschili più ammirevoli di The Man In Black. La canzone racconta la storia di un uomo che sbaglia, si prende la colpa e affronta tutto, seduto in prigione e sentendo che il treno di San Antonio passa. “Quando sento quel fischio, chino la testa e piango”. E poi, nel verso successivo, una prospettiva umoristica con queste parole:
6. “Tennessee Stud” di Doc Watson da Will The Circle Be Unbroken . Conosciuto più come un artista delle radici che come un artista country, Doc Watson era rinomato per la sua stregoneria e il suo modo di ascoltare le ballate di montagna degli Appalachi. Era, tuttavia, uno dei cantanti più raffinati, naturali e dotati che abbia mai abbellito un palcoscenico. L’esibizione dal vivo qui di “Tennessee Stud” sta rivelando per la sua direzione ad altri musicisti, quanto velocemente hanno capito le sue intenzioni e quanto sia esaltante per i grandi talenti nutrirsi di tutto ciò. E la canzone? – beh, è una storia di vero amore, tra cavalli. Che non invecchierà mai.
7. “In The Jailhouse Now” di Leon Russell. Prendi una vecchia canzone che tutti conoscono un po’ e trasformala in un capolavoro di musicalità, abilità vocale e oh, sì, assicurati che parli di donne, gioco d’azzardo e perdere tutto. Questa melodia ha chiuso l’album Hank Wilson’s Back! e per una buona ragione: sono cinque minuti di soddisfazione musicale che lasciano un’impressione duratura, lasciando uno da chiedersi, perché Leon Russell si sta comportando nel mondo della musica rock quando appartiene così chiaramente a qui. Non solo appartiene. Assolutamente uccide.
8. “Las Vegas” di Gram Parsons e Emmylou Harris. James Burton alla chitarra, Glen D. Hardin al piano, con Gram ed Emmylou alla voce selvaggia e sfrenata. Cosmico davvero. Emmylou lo ha registrato di nuovo nel suo album solista Elite Hotel a metà degli anni ’70 con Burton e Hardin di nuovo, e quella versione merita sicuramente la ricerca. Quello con Gram, però, nell’album Grievous Angel è fantastico. La canzone è stata scritta da Parsons e Rick Grech e contiene i versi memorabili “Beh, la regina di picche è una mia amica / La regina di cuori è una cagna / Un giorno quando mi ripulirò la mente / scoprirò qual è ”.
9. “Nothin” di Lucinda Williams da Poet: A Tribute to Townes Van Zandt . Chitarra blues scintillante e una voce inquietante e spettrale della Regina del Blues/Country. Fa desiderare che Lucinda faccia più cover, nonostante sia una delle nostre migliori cantautrici. La sua sensibilità per questo materiale è straordinaria. “Dolore e solitudine / Queste sono le cose preziose/ Le uniche parole che vale la pena ricordare”. Una delle sue migliori interpretazioni. Nota che la nostra playlist di esempio di seguito presenta la versione originale di Townes Van Zandt, ma assicurati di controllare la versione di Lucinda quando ne hai la possibilità.
10. Dev’essere “Little Ways”. Questo è il meglio del New Country e Dwight era lì per primo. Scrittura brillante, voce eccezionale e esecuzione davvero sbalorditiva da parte di un superbo gruppo di musicisti di riserva.
Contenuto liberamente ispirato a: https://www.vivascene.com/music-essentials-the-top-10-country-albums-every-music-fan-should-own/
